Micaela: ¿Puedes contarnos un poco sobre ti y tu trabajo como artista?

Renzo: Soy originario de Lima, Perú. Crecí en Lima. Estudié en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú. Es una escuela muy tradicional en cuanto a la enseñanza de la técnica, pero también muy conceptual en la parte intelectual y con una fuerte presencia política. Ahora, al ser una escuela nacional, hay mucho activismo político involucrado, sobre todo cuando yo no era estudiante. Teníamos más libertad que ahora. Empecé muy joven como artista, en la escena musical underground de mi adolescencia. Tenía un proyecto de punk electrónico, y luego quise estudiar música, pero no pude, así que terminé estudiando arte.

En el año 2000 estaba muy preocupada por la situación política en Perú. No veía mucho futuro ni muchas posibilidades de desarrollo profesional allí. Tenía muchas ganas de ir a Europa. Ese fue mi primer pensamiento: quería estudiar especialmente en Italia, porque crecí hablando italiano. El italiano es mi segunda lengua. Fui a una escuela italiana. Pero no conseguí la visa italiana. No pude viajar a Europa, así que terminé con una visa de turista. Llegué a Nueva York y me uní a la Art Students League, una escuela de arte muy importante, sin créditos académicos, en Nueva York. Todos los maestros de Nueva York, de la Escuela de Abstracción de Nueva York, por ejemplo, estudian allí. Y todos los pintores tradicionales más importantes también enseñan y estudian en la Art Students League de Nueva York; es una institución que apoyó mi trabajo. Me dieron becas, así que me quedé en Nueva York durante 16 años. Probablemente 11 de esos años estuve indocumentada.

Cuando cayeron las Torres Gemelas, yo estaba en la Art Students League. En una clase, ¿no? Y en Nueva York, me involucré mucho en la escena musical underground, seguí tocando música y me junté con un grupo de amigos, muchos de ellos artistas inmigrantes. Creamos, construimos y montamos un espacio artístico llamado Local Project, y organizamos muchas fiestas de música electrónica, conciertos, exposiciones de arte, etc., hasta 2016.

Luego fui a Hunter College para hacer mi maestría. Tengo una maestría en pintura, en Bellas Artes. Y en 2016, tuve que mudarme a Carolina del Norte (no fue mi decisión). Desde entonces vivo en Carolina del Norte.

Micaela: Es una historia muy inspiradora. Recuerdo que en segundo año de universidad hice una presentación sobre ti para mi clase, así que es increíble escuchar estas cosas.

Renzo: Gracias.

Micaela: ¿Cómo encuentras la inspiración para una obra de arte?

Renzo: En mi opinión, las únicas personas que crean arte por inspiración son las que lo hacen como hobby. Claro que hay profesionales que pintan los fines de semana, inspirados por la idea de pintar para aliviar el estrés laboral. Pero para un artista, no se trata solo de inspiración. Se trata de mucha investigación, compromiso y estudio. Y a lo largo de la carrera, uno va desarrollando sus intereses, que pueden ser personales, políticos, estéticos, ideológicos, ¿no?

Sin duda, hay artistas que, en algún momento de tu vida, conectan contigo. Por ejemplo, hoy me interesa el romanticismo francés, pintores como LaCroix, por ejemplo. Pero cuando me mudé a Nueva York, como venía de una academia de pintura tradicional en Perú, no quería dedicarme a nada académico. Estaba en Nueva York y quería estudiar pintura abstracta. Así que durante mis años en la Art Students League de Nueva York, estudié con pintores abstractos como Larry Bones y otros; Bruce Dorfman, por ejemplo.

No es que, de repente, me inspirara y pintara flores. No, es un proceso, un conjunto de obras que se construye poco a poco, de acuerdo con la experiencia vital y los intereses personales.

Micaela: En la exposición «Lo que dejé y lo que traje», exploraste tu vida en Perú y como inmigrante en Estados Unidos. ¿Podrías contarnos más sobre la exposición?

Renzo: La idea de esa exposición era tener una pieza permanente que pudiera estar en el espacio durante todo el mes de la exposición, trabajando, ¿no? De 9 a 8, de 9 a 6 todos los días. En la exposición, empecé a experimentar una transformación a lo largo de todo el proceso. Además, realicé programas públicos como un componente importante. Tuve una performance, una especie de stock artístico, ¿no? Fue muy conceptual, muy intensa. Porque estaba dentro de la jaula (no realmente), haciendo una declaración y creando ruido con máquinas. Luego, invité a cantantes políticos. Uno de los profesores de Duke que se acaba de jubilar, creo que es biólogo, es amigo mío y toca en bandas de punk. Les pedí a ambos que interpretaran canciones políticas.

El otro evento fue una actividad artística… llamada «Comida Compartida del Desplazamiento». Para mí, la idea de una comida compartida —que todos participen— es genial. Traer comida y celebrar es un concepto que desconocía. En Perú, no solemos hacer comidas compartidas, ¿verdad? Normalmente hay alguien que cocina para todos, no es una comida compartida. Ajá. Así que, con esta actividad llamada "Comida Compartida del Desplazamiento", invité al público a traer un plato relacionado con la historia del desplazamiento. Por ejemplo, lo último que horneaste antes de ser desalojado de tu edificio, la cena típica del pueblo de tu abuela, etc. Fue interesante. Tuve personas de ascendencia argentina que nunca vivieron en Argentina y no hablaban español, que trajeron sartenes porque sus padres cocinaban en ellas. Tuve una persona de Israel. Tuve un par de personas de Irlanda. Tuve un amigo mío, creo que es originario de Ohio, ¿no? Preparé la causa peruana y conté la historia de la causa, ¿sí? La exposición tiene esos componentes. Hice videos —videos musicales— e hice videos de performances como resultado de la experiencia.

Quiero destacar algo que sucede con frecuencia en distintos contextos: cómo la gente percibe a una persona de color, especialmente a un hombre que realiza trabajos manuales, dentro del edificio. Estaba con mi ropa de trabajo, realizando algunas tareas. Hice una escultura llamada "Indagación", hecha con alambres. Mientras trabajaba con los alambres, uno de los estudiantes de Duke estaba sentado en un escritorio de la galería y un hombre blanco [mayor] y yo entramos al espacio y preguntamos: "¿Qué es esto? ¿Qué tipo de construcción estás haciendo?". El hombre no se percató de que yo era un artista trabajando. Simplemente pensó que era un obrero. Un obrero inmigrante, ¿no? Fue muy gracioso porque el estudiante que estaba allí lo notó, y yo también, pero no le dijimos nada al hombre. No se nos ocurrió explicarle nada. Simplemente lo dejamos seguir con su pensamiento.

Creo que por eso los artistas deben responsabilizarse del contexto en el que exhiben sus obras. Tengo otra pieza, un capullo que cuelga del techo, hecho con bolsas de plástico negras, basura plástica. La idea para esa pieza era sobre las personas que el gobierno peruano desaparece, mata, tortura y mete en bolsas de plástico para tirarlas en medio de la nada. Mi idea era que fueran al cielo, que tuvieran una liberación, una liberación espiritual. Pero una mujer afroamericana me preguntó si la lección de la pieza tenía que ver con los linchamientos de afroamericanos. Y yo me quedé de piedra. Me preocupó esa interpretación, pero al mismo tiempo pensé: «Bueno, sea cual sea la tragedia, quizá ambos buscamos el mismo alivio, ¿no? Que la gente descanse, que descanse en paz».

Micaela: En estos tiempos en que los latinos son blanco de ataques en Estados Unidos, ¿qué papel crees que el arte puede y debe desempeñar en este clima político?

Renzo: Como inmigrante latino y artista, lamentablemente, no hay nada que cambiar. Es demasiado tarde. Puedo dar un concierto, puedo hablar sobre el tema. He creado obras políticas desde los 14 años. Nada ha cambiado. Y el arte también es una industria. Una industria con mucha exclusividad, que no ofrece igualdad de oportunidades laborales. Ser artista no es un trabajo igualitario. La única manera en que el arte realmente juega un papel importante y tiene impacto es cuando el artista cuenta con una plataforma institucional y económica de gran envergadura. Por ejemplo, Bad Bunny, René y René. Podría nombrar a muchos artistas con ese impacto. Si no tienes ese impacto, ese apoyo, sí, puedes hacer cosas, pero la gente simplemente dirá: «Ah, qué bien. El artista está haciendo esto. Genial». Pero no va a generar ningún cambio. Es demasiado tarde. Es demasiado tarde para eso. El tipo de apoyo que un artista puede brindar se basa en el compromiso ciudadano, el compromiso personal, el activismo individual, la acción directa y la verdadera preocupación. Preocupación. ¿No es así? Pero mi arte —una pintura, una canción que escribo, un concierto que doy, lo que sea— me temo que no tendrá mucho impacto. Siento que ya es demasiado tarde.

Micaela: Sí, han sido tiempos muy difíciles. Pero sé que acabas de ganar el premio Tumi-USA, así que [estás teniendo cierto impacto]. ¿Qué significa para ti recibir [un Tumi]?

Renzo: Agradezco mucho todo el apoyo… Cuando fui, fue una experiencia antropológica muy interesante, ver el éxito profesional que tienen los peruanos en el país… [Otro] premio del que me siento muy orgulloso es… el de la Fundación Gotlieb. Es un premio que otorga la familia Gotlieb. Gotlieb era un pintor que vivía en Nueva York, y es un premio que se concede para apoyar a artistas con más de 20 años de trayectoria. La solicitud fue muy difícil. Fue muy intensa. Y te dan una gran suma de dinero sin restricciones porque eso es justo lo que los artistas necesitan. Ahora, todas las instituciones quieren al artista, y quieren: «¡Ah, sí, el artista! ¡Ah, ya tenemos al artista para el cuadro!». Pero, repito, la única manera de que el trabajo de los artistas tenga un impacto es con el apoyo económico. Sin dinero, nuestro arte no es más que, ya sabes, nada.

Micaela: Muchísimas gracias por tu tiempo. Ha sido increíble. Es muy agradable hablar con otros artistas, sobre todo en estos tiempos difíciles, así que muchísimas gracias.

Renzo: De nada.

Micaela: Can you tell our readers a little bit about yourself and your work as an artist

Renzo: I'm originally from Lima, Peru. I grew up in Lima. I went to the National School of Fine Arts in Peru. It's a very traditional school in the way we learn the craftsmanship, but also is very conceptual in the intellectual part, and very strong in politics. Now, it’s a national school, so there is a lot of political activism involved, especially when I wasn't a student. We had more freedom than today. I started very early as an artist when I was a teenager in the music underground scene. I had this kind of electronic punk project, and then I wanted to go to music school, but I was not able to go to the music school, so I ended up studying art.

In 2000 I was very upset about the political situation in Peru. And I didn't see too much future, I didn't see too much professional development there. I really wanted to go to Europe. That was my first thinking: I wanted to study especially in Italy, because I grew up speaking Italian. Italian is my second language. I went to an Italian school. But I didn't get the Italian Visa. I was not able to go to Europe, so I ended up having a tourist visa. I came to New York, I joined the art students’ league—that is a very important non-credit art school in New York. All the masters from New York, from the New York School of Abstraction, for example, study there. And all the most important traditional painters also teach and study at the Art Students League in New York—it's an institution that supported my work. They give me scholarships, so I stayed in New York for 16 years. Probably 11 of those years I was undocumented. 

When the Twin Towers fell down, I was in the Art Students League. In a class, no? And in New York, I got very involved with the underground music scene, kept playing music, and [got in] with a group of friends, many of them immigrant artists. We created, build, put together an art space called Local Project, and we had a lot of electronic parties, concerts, art exhibitions, etc., until 2016.

Then I went to Hunter College for my Master's. I have a Master in painting, in Fine Arts. And in 2016, I had to move to North Carolina (it was not my decision). Since then I've been in North Carolina.

Micaela: That's a very inspiring story. I remember in sophomore year I did a slideshow [presentation] on you for my class, so it's really crazy to hear these things. 

Renzo: Thank you. 

Micaela: How do you find inspiration for an art piece? 

Renzo: The only people that make art based on inspiration, in my opinion, are the people that make art as a hobby. Now, there are professionals that paint on the weekends, they feel inspired to make a painting as a relief from their work stress. But for an artist, it is not just inspiration. It is a lot of research. It is commitment. It is a study. And through your whole career, you are developing your interests, they may be personal interests, political interests, aesthetic interests, ideologically interests, no? 

Definitely there are artists that, at some point in your life, align with your frequency. For example, today I am interested in French romanticism, painters like the LaCroix, for example. But when I moved to New York, because I came from a traditional painting academy in Peru, I didn't want to do anything academic. I was in New York. I wanted to study abstract paintings. So all my years in the Art Students League of New York, I was studying with abstract painters like Larry Bones and others; Bruce Dorfman, for example. 

So it's not like, ‘Oh, I got inspired! I paint flowers.’ No, it's a production, it's a body of work that you build little by little accordingly with your life experience and personal interest. 

Micaela: In the exhibit, What I Left and What I Brought, you explored your life in Peru and as an immigrant in the United States. Could you tell us more about the exhibit?

Renzo: The idea of that exhibit was to have a specific ongoing piece that can be in the space during the month of the exhibit working, doing labor, no? From 9 to 8, 9 to 6 every day. In the exhibition, I started to have a transformation during the whole process. In addition to that, I did public programs as a big component. I had a performance, a slash artist stock, no? That was very conceptual, very intense. Because I was inside the cage (not really), making a statement and making noise with machines. Then, I invited political singers. One of the Duke professors that just retired, I think he's a biologist, is a friend of mine that plays in punk bands. I had both of them playing political songs. 

The other event was an art activity…called the Displacement Potluck. To me, the idea of a potluck—that everybody brings food and celebrates—is a concept that I didn't know before. In Peru, we don't do potlucks, no? There is usually somebody that cooks for everybody, not a potluck. Mm-hmm. So, with this activity called the Displacement Potluck, I invited the general public to bring a dish related to a history of displacement. For example, the last [thing] you bake before being evicted from your building, the dinner from your grandma's hometown that she used to cook, etc. And it was interesting. I had [Argentinian descendant people] that never lived in Argentina and didn't speak Spanish bringing in pans because their parents [cooked] in pans. I had one person from Israel. I had a couple of people from Ireland. I had a friend of mine, I think he's originally from Ohio, no? I did Peruvian causa and I told the history of causa, no? So, the exhibition has those components. I did videos—I did music videos. I did performance videos—as an outcome of the experience. 

I want to point out something that happens a lot in different contexts: how people see a person of color, especially a man doing labor work, inside the building. I was with my working clothes, doing some work. I made a sculpture called Inquiry, made with wires. And as I was working with the wires, one of the Duke students was sitting on the desk in the gallery and me and an [older] white man entered the space and was asking, ‘What is this? What kind of construction you are doing?’ In the man's head, he never realized that I was an artist doing work. He just thought I was a labor worker. A labor immigrant worker, no? And that was very funny because the student that was there noticed that, and I also noticed that, and we didn't say anything to the [man]. We didn’t think to explain to him. We just let him go with whatever he was thinking. 

That, I think, is why artists must take responsibility for the context where they show their pieces. I have [another] piece that is a cocoon hanging from the ceiling, made with black plastic bags, plastic trash. And my idea for that piece was about people that the Peruvian government disappear, kill, torture, and put it in plastic bags and throw in the middle of nowhere. That was my idea, to have them actually go to heaven, to have a release, a spiritual release. But an African American lady asked if the lesson of that piece was about [lynchings of Black Americans]. And I was like, ‘Wow.’ I was worried about that interpretation, but at the same time I was like, ‘Well, no matter what is a tragedy, we both maybe looking for the same relief,’ no? That people rest, that people rest in peace. 

Micaela: In this time when Latines are being targeted in the U.S., what is the role you think art can and should play in this political climate? 

Renzo: As a Latinx immigrant, an artist, I will say, unfortunately, nothing. It's too late. It's too late. I can play a concert, I can give a speech about it. I’ve been making political works since I was 14 years old. Nothing changed. And art is an industry, also. It's an industry with a lot of gatekeeping, and it's an industry that doesn't provide, it’s not an equal job opportunity. Being an artist is not an equal job opportunity. The only way art actually plays an important role and has an impact is when the artist has an institutional and economical platform that is huge. For example, you have Bad Bunny, René y René. I can name you a number of artists with that impact. If you don’t have that impact, that support, yeah, you can do things, but [people] are going be just like, ‘Oh yeah, that’s nice. The artist is doing this. Okay, great.’ But it is not going to make any changes. It is too late. It's too late for that. The kind of support [an artist can do] is with citizen commitment, with personal commitment, and with personal activism, direct action, and actually caring. Caring. Caring, no? But my art—a painting, song I write, a concert I play, or whatever—I don't think it’s going to make too much impact, unfortunately. I feel it's too late.

Micaela: Yeah, it’s been really hard times. But I know you just won Tumi-USA award, so [you are making some impact]. What does receiving [a Tumi] mean to you?

Renzo: I appreciate a lot all the support…When I went there it was a very interesting anthropological experience, seeing how Peruvians are very successful in the country professionally…[Another] award that I feel very proud of is…the Gotlieb Foundation. It's an award given by the Gotlieb family. Gotlieb was a painter that lived in New York, and it's an award that they give to support artists that have more of 20 years of trajectory. The application was very difficult. It was very intense. And they give you an unrestricted big chunk of money because that is actually what artists need. Now, all the institutions, they want the artist, and they want, ‘Oh yeah, the artist! Oh, we have the artist for the picture!’ But again, the only way artists’ work can have an impact is if we have the monetary support. With no money, our art is just, you know, nothing.

Micaela: Thank you so much for your time. This was amazing. It's so nice to talk to other artists, especially in such a rough time, so thank you so much. 

Renzo: You're welcome.